Animartists internationalRedactor: Maria Polikreti
Psicólogo
Traducción al español: Fabio Trevisan
Hace muchos años, cuando me encontré con las obras de Yiorgos Kavounis, vi un aspecto del arte el que no se encuentra facil en el marathon de la estética postmoderna. Confiéso que me viniéron a la mente imagenes de algun secreto tugurio con Luis Buñuel y Charles Bukowski conversando sobre ética y arte. Wittgenstein nos dijo en una occasion que “en la extrema profundidad la estética y la ética coinciden”. El pintor se aleja de lo “devido” y el “no” y plasma un mundo imaginario, donde la ética se libera y se descarga la culpavilidad oprimida…
Yiorgos-Panayiotis Kavounis nació en Atenas (Grecia), en 1979. En 2007 consiguió la licenciatura en Bellas Artes en Atenas con matrícula de honor. En 2005 fue a la Universidad de Bellas Artes de Valencia (España) durante seis meses.
Presentó una exposición individual (K-Art Gallery, Atenas 2011) y participó en exposiciones colectivas de renombre en Art-Athina/Feria Internacional de Arte Contemporáneo de Atenas de 2014 a 2017, Art-Thessaloniki/Feria Internacional de Arte Contemporáneo 2016, ReMap 4 / Plataforma de Arte Contemporáneo Internacional (Atenas, 2013), Avra Art Gallery 2016 (New Jersey, USA), “La forma humana en el arte” (Technopolis, Atenas 2009) etc.
Sus obras fueron destacadas en certámenes artísticos (Kon. Andreou Public Welfare Institution 2011, Belle Art Lamia 2007) y forman parte de colecciones privadas tanto en Grecia como a nivel internacional. En otoño de 2014 emprende su actividad como tatuador a nivel profesional.
A qué edad te recuerdas pintando por primera vez?
Era muy pequeño, tendría 3 o 4 años. Con 12 años apróximadamente lo dejé por completo, no recuerdo ni sé muy bien por qué. Sin embargo, con 17 volví a sentir la necesidad de retomarlo.
Hasta qué punto tus estudios en la Facultad de Bellas Artes influenciaron en tu estilo y la estética de tu proceso artístico?
Mi caso en concreto es bastante especial, ya que fui algo desafortunado.
Mi profesor también era el decano de la facultad, por lo que venía al taller una vez a la semana y no tres, como era habitual. ¿El resultado? Unos viernes muy abarrotados de gente.
A lo largo de los años aprendí muchas cosas, pero me hubiera gustado aprender incluso más. Todo el trabajo lo hice intercambiando conocimientos con mis compañeros, y sobre todo, con investigación y mucho trabajo.
“The Abyss”, 37 x 46cm (pencils on paper) 2016
Me pregunto si la riqueza de tu repertorio estético cogió forma a raíz de tus estudios o si realmente fue un enfoque que te motivó desde el principio.
En cuanto a mi estética, es algo que ya existía, forma parte de mi personalidad; es algo que continuamente me “atormentó” y que siempre sentí la necesidad de procesar de esa manera.
A mitad del primer año en la universidad – con permiso de mi profesor- dejé el estudio del modelo y comencé a buscar la manera de producir lo que realmente me interesaba. Incluso con otros medios o herramientas (por ej. videos), con los que experimenté durante la carrera, el enfoque siempre fue el mismo. Con el paso del tiempo, todo esto fue evolucionando hasta tomar la forma que tiene hoy en día. En el fondo, incluso antes de ser admitido en la facultad, ya tenía claro que jamás me pondría a pintar bodegones o temas parecidos. Los propios Cínicos no podrían haberlo dicho mejor: la naturaleza ya lo ha hecho todo perfectamente. Además, no soporto pintar motivos, ya que en ellos se pierden por completo la espontaneidad y la improvisación. Lo que me interesa son la psique y las pasiones humanas. Se trata de un proceso doloroso, pero al mismo tiempo precioso, que me ayuda a conocerme mejor mí mismo.
“Bilbao”, 53 x 37cm (pencils on paper) 2012-13
Hubo una idea inicial que provocó la aparición de ese estilo personal que mantienes en tus obras?
Como te dije antes, simplemente ocurrió. Necesitaba una salida. La encontré en el arte. El carácter siempre existió como una especie de “picor”, una tendencia, desde el primer momento en el que empecé a cuestionar y entender el mundo a mi alrededor (en plena adolescencia). Cada uno carga con su cruz y la mía son estas imágenes.
Untitled, 36 x 42cm (pencils on paper) 2012
Me gustaría que me contáses algo más sobre tu evolución después de haber terminado Bellas Artes y sobre tus primeras participaciones en exposiciones.
En primavera suele haber una exposición con los trabajos de los alumnos que terminan la carrera. Exposición que suele ser visitada, entre otros, por galeristas. Ahí es donde nacen las colaboraciones. Yo, por lo menos, empecé así, con mi primera exposición colectiva en la galería de Gerasimos Kappatos, y más tarde en la (ya cerrada) de Maria Christofi K-Art, donde inauguré una exposición individual en 2011.
Babylon; look her in the eyes”, 75 x 57cm (oil on canvas) 2013-15
Cuánto tardas en preparar y realizar una de tus obras?
Invierto mucho tiempo en bocetos y necesito aproximadamente entre doce y quince días de trabajo para completar un pequeño dibujo, pero el proceso puede durar mucho más, ya que re-analizo y modifico o hasta cambio por completo muchas partes del dibujo inicial en la fase de ejecución. En general, suelo tardar entre quince días y dos meses para los trabajos de mayor envergadura. En algunos casos tardé incluso más, ya que no terminaba de estar satisfecho con el resultado final. Cuanto más me esmero para un trabajo, más aprendo para el siguiente.
Cuál dirías que es el motor que te lleva a ese extraordinario nivel de detalle tan característico de tus obras?
Mi obsesión por el detalle es un rasgo claramente idiosincrático, forma parte de mi carácter. Antes, en la universidad, intenté en parte quitármela (mi propio espíritu me exige ser diferente y me peleo constantemente incluso conmigo mismo). Con el paso del tiempo, aprendí a asumirlo. Me di cuenta de que llega un punto a partir del cual ya no me beneficia ni prentendo hacer que el resultado final parezca fotorrealista, así que empecé a buscar distintas maneras para canalizar este impulso. En mis ultimos dos o tres trabajos he incorporado unos elementos que se multiplicarán en el tiempo.
Una composición artística transmite uno o más significados? Y de qué depende su interpretación?
Una composición ambigua tiene tantas posibles lecturas como ojos la vean. De ahí, todo depende de cuántas “antenas” tiene cada uno para deconstruir una imagen.
«And the dragon, as a lamb, dies a God, 54x34cm (acrylics and oils on canvas), 2017
Note: The title is a variation on the verse of the poem “Christmas” by Mikelis Avlichos (1844-1917).
Un elemento característico de tus obras es la representación de la carne, ya sea humana o bien animal. ¿Qué clase de inquietud hay detrás de esta particularidad de tu arte?
La carne me interesa porque el hombre mismo es carne, sus pasiones, sus problemas, su vergüenza. Los animales se identifican y comparten con él muchos aspectos y esa es la razón por la que aparecen en mis obras. También incorporo elementos futuristas así como elementos sacados del pasado. Siempre involucro lo bipolar. Yo mismo soy bipolar, no puedo estar enjaulado en uno solo mundo, quiero vivir el otro también, quiero quedarme con lo mejor de ambos universos. Por eso no soporto a la gente que es fácilmente manipulable y que adhiere a obsesiones e ideologías, independientemente que se trate de arte o no; no me interesa para nada. Todas mis obras se basan en una armonía de contradicciones. Es el camino.
Por lo demás, hay un sinfín de preguntas para las que no tengo una respuesta clara, porque la mayoría de las veces simplemente no existe. Deseo ir más allá de la racionalización y del racionalismo. Este proceso, en general, salvo algunos momentos puntuales, no es especialmente agradable. Las preocupaciones (por temas como la composición, la técnica y el significado) son intensas y estenuantes. La satisfación llega cuando termino una obra y se desvanece al comenzar una nueva. Si pudiera darte unas respuestas definitivas sobre el porqué mezclo lo que mezclo y cómo lo mezclo, ya no sentiría esta necesidad que siento de pintar, estaría acabado. Esencialmente, me cazo y me busco a mí mismo a través de todos estas preocupaciones abstractas y paradójicas.
“Palm Sunday”, 60 x 80cm (pencils & ink on paper) 2011
”Seaweed for silk ribbons”, greek expression that stands for ”chalk for cheese”, 45 x 38cm (pencils on paper) 2012
Observando tus obras, destaca un fuerte componente erótico a través de la austeridad de la representación carnal. ¿Cuál es la repercusión de este estilo en el ámbito artístico?
Por mi estilo, mi obra puede tener múltiples lecturas. Las escenas eróticas que represento son un vehículo, transmiten simbolismos y situaciones. No suelen interactuar directamente con el proprio placer carnal. Un buen ejemplo es el cuadro “El marido eterno”, que está basado en la omónima novela de Dostoyevsky. La escena erótica entera destapa y hace las insinuaciones que presento incluso más duras. Me negaron una exposición privada en una importante galería de arte de Atenas porque me pidieron que limitase ese elemento. Más adelante, cuando fui a ver unas exposiciones en la misma galería, pude notar cómo exponían obras “eróticas”, que eran expresionistas o abstractas. El problema era la acidez realista de mis propias representaciones. Cuando la vergüenza se sirve fría, hay un problema, y eso se llama culpa (algo que no se puede traducir fácilmente en ventas para el propietario de una galería).
“Cuando la vergüenza se sirve fría, hay un problema, y eso se llama culpa”
“Sils-Maria”, 33 x 28cm (pencils on paper) 2012
“Nights”, 24 x 30cm (oil on canvas) 2015
Note: Based on the same-named poem of Kostas Montis (1914-2004)
“Envy/Jealousy”, 80 x 48cm (pencils on paper) 2012
Todo esto nace como un esfuerzo, para romper barreras…
Creo que es precisamente eso es lo bueno. Pintar para mí no es fruto de un deseo, sino de una necesidad. Me ayuda a levantarme cada mañana.
Dirías que tu enfoque hacia el arte es una tendencia hacia la liberación?
La palabra liberación siempre es seguida por la preposición “de”, lo cual siempre es relevante, depende del contexto social de cada época.
Yo diría que es un enfoque báquico a las situaciones. Lo irreconciliable, lo anárquico, lo bacanal. Es más como una tendencia. Yo simplemente sigo por mi camino y sobre la marcha descubro cosas. Es un continuo diálogo conmigo mismo con un énfasis en la ambigüedad y lo extraño que se esconden detrás de las convenciones morales. Me preocupa e interesa la liberación de la mediación de conceptos, la autoridad de las palabras y su aceptación pasiva.
Si aislas una palabra de la gramática, ésta automáticamente deja se existir. El lenguaje es el mayor dictador ya que conserva los significados. La Naturaleza no entiende de definiciones, vergüenza, pecados, lo trascendental, verdades absolutas, belleza y fealdad, de lo bueno y de lo malo, del Paraíso y del Infierno… Éstas son interpretaciones humanas, que son relevantes. Solamente los hechos son objetivos. Detrás de todo esto hay lecturas que me influenciaron a lo largo de los años, me nutrieron y me aclararon el pensamiento y despertaron mi curiosidad: Nietzsche, Unamuno, Dostoyevsky y Heráclito, entre otros. Cabe mencionar también al gran director polaco Andrzej Zulawski, cuya estética me ha marcado fuertemente. Cuando vi “La posesión ” (1981), me quedé asombrado.
«Me preocupa e interesa la liberación de la mediación de conceptos, la autoridad de las palabras y su aceptación pasiva»
“The eternal husband”, 50 x 35cm (pencils on paper) 2012
Me pregunto que cómo percibes una sociedad sin moralidad…
Es algo que no me preocupa. Me vienen a la cabeza algunas conversaciones con amigos: “¿Cómo sería una sociedad con o sin esta o aquella dirección política?, ¿qué se debe hacer?…” Una persona tiene que estar en constante evolución, si no pierde su individualidad y su singularidad. Platón excluye a los poetas de su “Politeia” (República). Cualquier cosa que cuestione y destruya – acaso no es esto lo que hace la verdadera poesía- no puede admitirse en una República. La República necesita todo tipo de –ismos y sobrevive gracias a ellos. Si te tuviera que dar una definición de cómo sería una sociedad sin moralidad, te daría otro ” –ismo”, otra postura moral. Esto es cosa de políticos, y yo no soy un político.
“Infidelity’s wall”, 41 x 58cm (pencils on paper) 2012
Tus obras están todas relacionadas entre sí?
Sí, no trabajo con (distintos) conceptos, como otros eligen hacer. Desde mi primer trabajo, no me acuerdos cúantos hace ya de eso, hasta el último, todos se completan entre sí, a nivel de significado. Poco a poco. (Las únicas excepciones son unos pocos cuadros, que datan de mi época universitaria, debido a mi inmadurez).
“Bacchus”, 50 x 70cm (oil on canvas) 2012
Cuál es el rol de los historiadores y críticos de arte y su interación con los artistas?
Su rol es la investigación científica, el estudio y la interpretación de varias formas artísticas, la documentación de modas /movimientos históricos, la gestión de exposiciones, la catalogación para las galerías, museos, fundaciones etc. En pocas palabras, exactamente lo que sugiere su nombre.
En cuanto a la segunda parte acerca de la crítica, (con la que no todo el mundo se identifica- algunos se consideran simplemente historiadores), creo que hay verdaderamente pocos que de verdad critican seriamente. Crítica afilada, de eso se trata. Por ejemplo, en la literatura, en el cine, en la música, sí existe esa crítica. En el mundo del arte, raramente leo algo a mi parecer negativo, y por consiguiente se produce una total arbritariedad artística. Para que no se me malinterprete, he de aclarar que no toda crítica tiene que ir al límite, ni todas las críticas de arte pueden definir la realidad artística (por ej. “The Rejecs’s Lounge, 1863). De todos modos, creo que pueden y deberían “estimularla”. Los “conflictos” deben ser intencionales porque generan consideración, incertidumbre y ansiedad. Estos elementos contribuyen a la materialización de obras de calidad. Pintar no es algo simple de digerir o algo divertido, para consumir como un pasatiempo.
“Genealogy of morality”, 43 x 38cm (pencils on paper) 2016
Untitled, 18 x 24cm (pencils on paper) 2012
Untitled, 44 x 44.5 cm (pencils on paper), 2013
En los últimos años, has sido activo en el espacio creativo del arte del tatuaje. Cómo llegaste a esta elección y cuáles son los pre-requisitos con respecto a la pintura?
Siempre lo he tenido en mi cabeza (empecé a tatuarme entre 1997 y 1998), de todas maneras, por varias razones; me surgió como hace dos años y medio gracias a un contacto de internet, algo que me salvó de ser un profesor sustituto de arte (estaba pidiendo la plaza en aquella época) y de lo que huí. Impartí clase siete u ocho veces durante mis prácticas y la experiencia no me resultó especialmente agradable. No todo vale para todos.
Por como lo veo, tatuar en la actualidad es una forma de arte aplicada/decorativa y la más difícil, seguro – debido a sus particularidades- de defender como tuya. Requiere respeto por la carne, mucha paciencia y la formación al lado de alquien es una calle de un solo sentido. Por otro lado, desde un punto de vista holístico, no se puede identificar con la esencia del término Arte. La razón principal es porque el cuerpo es el “jefe”- con sus reglas, su estética y sus muchas limitaciones (técnicas), a diferencia de otros medios – no el “yo”. Cuando el “Yo”, la Cara, se hacen pequeños, no hay Arte. Esto lo que pienso según mis criterios. Luego cada uno percibe el mundo desde su punto de vista.
La transición fue especialmente difícil, ya que tuve que aprender a funcionar de una manera totalmente distinta y abadonar los códigos artísticos. Por consiguiente, a pesar de que al principio me temía que este enfoque “estilizado” me acabaría tragando, dos años más tarde me sorprendió. Me ayudó a descubrir aspectos en la pintura que estuve buscando durante mucho tiempo, y que era incapaz de encontrar. A veces tienes que pegar un giro de 180 grados para poder avanzar de nuevo. Debido a la escasez de tiempo que tengo a mi disposición, mis trabajos son pocos. De todas maneras, los nuevos elementos han empezado a ser apenas visibles en las últimas obras.
Untitled, 50 x 70cm (oil on canvas) 2013-14
Cuéntanos algo sobre tus proyectos futuros…
Estaré presente en Art-Athina (Feria de Arte Contemporáneo Internacional), en la Tae Kwon Do Arena en Faliro, desde el 25 hasta el 28 de mayo y en SWAB Barcelona (Exposición Internacional de Arte Modermo de Barcelona, España) en septiembre, con Kaplanon Galleries.
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